El cómic como herramienta de transformación. Las artistas que exponen su constelación en CDMX

 Escrito por Paola Piña 

.-Ciudad de México.- La exposición Constelación gráfica: Jóvenes autoras de cómic de vanguardia nos sumerge en un vibrante universo de colores, viñetas e ilustraciones, en el que las constelaciones son nueve artistas españolas, ellas a través de su mirada abordan de manera creativa y humorística las problemáticas que las atraviesan a ellas y a la sociedad contemporánea.

A través de los trabajos de estas autoras, se abordan temáticas que afectan a la sociedad contemporánea, desde la frustración de la generación millenial, la precarización laboral y la soledad, hasta las complejas relaciones con las redes sociales y las presiones que genera la vida moderna. Cada una de las artistas ha encontrado en el cómic una vía para expresar sus inquietudes, muchas veces a través de un enfoque humorístico y creativo.

Presentada por el Centro Cultural de España en México (CCMX), la muestra nos invita a explorar la mente artística de destacadas ilustradoras y comiqueras: Bárbara Alca, Marta Cartu, Genie Espinosa, Ana Galvañ, Nadia Hafid, Conxita Herrero, María Medem, Miriampersand y Roberta Vázquez.

La exposición está organizada en nueve espacios, cada uno dedicado a una de las autoras. A través de textos, audios e ilustraciones, se revela su proceso creativo y de reinvención, evidenciando cómo han explorado nuevas formas de expresión y ampliado los límites de su arte a lo largo de su trayectoria.

CIMAC FOTO

El cómic de estas autoras va más allá de una mera narración visual, se trata de un medio que utiliza la ilustración para explorar, cuestionar y redefinir cuestiones políticas, filosóficas y sociales. A lo largo del recorrido de  esta exposición, el público tiene la oportunidad de conocer cómo estas artistas, cada una con su estilo único, han utilizado la ilustración como una forma de expresión, que en algunos casos, va más allá del interés personal y se dirige a lo colectivo, a la búsqueda de respuestas compartidas y a la reflexión crítica sobre las estructuras que conforman nuestras vidas. 

Bárbara Alcala, Genie Espinosa y Nadia Hafid abordan cuestiones como la búsqueda de identidad, la importancia de representar a los cuerpos no-normativos, la necesidad urgente de espacios para las mujeres y la visión crítica sobre las redes sociales y su influencia en la sociedad contemporánea.

Muchas de las obras presentes en la exposición se alejan de los estereotipos tradicionales de género, utilizando personajes diversos, que rompen con lo común y buscan la diversidad. En las ilustraciones de estas autoras, las mujeres ya no son simples figuras pasivas, sino que se convierten en protagonistas 

“Necesitamos hablar de lo colectivo, de temas que nos ocupan a todos, salir un poco del ego” Genie Espinosa

A lo largo de la exposición, se puede ver cómo cada artista ha incorporado elementos visuales que buscan generar una respuesta de asombro en el espectador. Desde el uso de colores vibrantes y recursos psicodélicos, hasta la inclusión de elementos místicos, que se convierten en una fuente de inspiración como en el caso de la autora Miriampersand que ha utilizado el tarot como referente para algunas de sus obras,

CIMAC FOTO

El proceso creativo de las autoras también es un tema importante dentro de la muestra. A través de videos que protagonizan las autoras, el público puede explorar el recorrido de cada artista, desde sus primeras influencias hasta la reinvención constante de su lenguaje visual.

Algunas han recurrido al cine y la fotografía como fuentes de inspiración, otros han encontrado en la escritura un punto de partida para sus trabajos, y todas, en su conjunto, nos ofrecen una visión vanguardista del cómic como una forma de arte que sigue evolucionando y tiene la posibilidad de sobrepasar lo tradicional.

Además de abordar lo social, cada una de ellas ha utilizado este medio para hablar de sus luchas personales, pero también para reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y las transformaciones necesarias para lograr una sociedad más consciente.

Esta muestra, que originalmente se presentó en España, es una invitación a adentrarse en una experiencia que va más allá de la simple visualización de ilustraciones. Es un espacio para reflexionar sobre las problemáticas sociales a través de un medio popular como el cómic, el cual, de manera innovadora y creativa, ofrece una forma de pensar el mundo desde una perspectiva más cercana, crítica y con un toque de diversión. 

Constelación gráfica: Jóvenes autoras de cómic de vanguardia estará abierta al público hasta el 27 de abril de 2025 en el Centro Cultural de España en México, ubicado en República de Guatemala 18, Centro Histórico de la Ciudad de México. El centro cultural abre sus puertas de martes a domingo y la entrada es de libre acceso.

Remedios Varo, una artista por descubrir

Arte y exilio republicano

Por Raúl Navas

Pese a ser una de las mejores pintoras surrealistas del Siglo XX y siendo notablemente conocida en México y toda América, es prácticamente desconocida en España. Hablamos de una figura excepcional que sufrió la guerra civil, la segunda guerra mundial y el exilio

Madrid, 27 jul. 20. AmecPress/Viento Sur.- Remedios Varo (1908-1963) fue una artista sobresaliente y excepcional. Pese a ser una de las mejores pintoras del Siglo XX, y siendo notablemente conocida en México y toda América es prácticamente desconocida en España. Hablamos de una figura excepcional que sufrió la guerra civil, la segunda guerra mundial y el exilio.

Desgraciadamente no es una excepción. Buena parte de los exiliados republicanos y antifascistas continúan siendo grandes desconocidos en España, fenómeno que se acentúa más en lo referente a mujeres. No olvidemos que la victoria del ejército franquista en la guerra civil, supuso una salvaje represión contra los sindicatos y partidos de izquierda, los derechos democráticos, la lengua, la cultura y el arte.

El régimen franquista trabajo minuciosamente en una represión intencionada, premeditada, global, despiadada y de elevado afán inquisitorio a todos los niveles que incluía auténticas matanzas, asesinatos, encarcelamientos, torturas, multas, sanciones, purgas, destierros, confiscaciones, censura, inhabilitaciones, coacción, temibles controles de conducta y comportamiento, campos de trabajos forzados, etc. Cientos de miles de personas se exiliaron, entre ellos una lista interminable de intelectuales y artistas.

Durante el franquismo, personas científicas y artistas exiliadas no existían en los libros, ni en ningún medio de comunicación, salvo y en todo caso para calumniarlos. Después de Franco, salvo excepciones, apenas ha habido esfuerzos gubernamentales y oficiales de carácter divulgativo sobre el exilio. Mientras el aparato represivo franquista quedó injustamente impune, un gobierno mostraba escaso interés en políticas sobre el conocimiento de la represión y de rehabilitación de las víctimas.

Por tanto, nos resulta injusto, pero no extraño, que la intensa vida y obra de Remedios Varo sea desconocida generación tras generación. Una autentica pena, dado que hablamos de una pintora de gran inteligencia y talento artístico, que pese a su prematura muerte, tiene una producción amplia y notable en cantidad y calidad. Poseía una gran creatividad, ingenio e imaginación, cualidad importante para destacar en la pintura, especialmente en la surrealista, en la que destacó con un inconfundible estilo propio y singular. Su riqueza y originalidad expresiva es impresionante, en todos sus matices y detalles, mezclando realidad, lógica y fantasía.

Infancia y juventud

En cualquier investigación histórica sobre un personaje, se estudian referencias sobre sus orígenes e infancia. En este caso, podemos comenzar señalando que María de los Remedios Varo Uranga nació el 9 de diciembre de 1908 en el pueblo de Anglès, provincia de Girona. Nos encontramos ante la España de la Restauración, en pleno reinado de Alfonso XIII. Hablamos de una sociedad tradicional, de valores conservadores, con un gran atraso económico, cultural y social respecto a otros países de Europa Occidental.

Remedios tuvo una hermana con una muerte temprana. Sus otros dos hermanos fueron Rodrigo y Luis. Su madre Doña Ignacia Urande, era ama de casa, de origen vasca, por lo que veraneaban en San Sebastián donde vivía la familia de su madre. Era devota cristiana y defensora de valores tradicionales. Por el contrario, el padre, Don Rodrigo Varo y Zejalvo, natural de la provincia de Córdoba, era un librepensador, agnóstico, republicano de ideas progresistas, y de compromiso social, que protagonizó polémicas con el clero local. Hombre culto, estudioso de la mineralogía y del idioma esperanto, era ingeniero hidráulico, por lo que debido a su profesión dibujaba, diseñaba, planificaba conducciones de agua, trazaba planos, etc.

Todos los estudios insisten en que enseñó y animó a Remedios a dibujar, desde la infancia. Siempre estimuló el interés en la pintura en su hija, incluso dejándola utilizar instrumentos de dibujo que usaba en su trabajo. Resultaba excepcional para la época que un padre atendiera con tanto interés por la formación de una hija. En este sentido, se ha señalado que Don Rodrigo ejerció una influencia de capital importancia en Remedios, quien posibilitó que creciera en un ambiente de inquietudes culturales y artísticas. Parece que su infancia fue feliz y sus recuerdos más tempranos han quedado reflejados en buena parte de sus obras. No es de extrañar que Octavio Paz asegurara que Remedios “no inventa, recuerda” [1]

Debido a la profesión de su padre, la familia cambió de residencia en más de una ocasión. Se trasladaron a Algeciras, Tánger y Casablanca, entre otros lugares. En 1917, se instalan en Madrid. Se matricula en el Instituto San Isidro, donde terminó sus estudios de Bachillerato. Durante esos años Remedios se interesa por avances y novedades científicas, a la par que aumenta su pasión por el arte. Lee novelas de género policiaco y de autores como Julio Verne, Alexandre Dumas, Edgar Allan Poe, etc.

Mujer pionera en entrar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando

En una época en la que las mujeres brillaban por su ausencia en el ámbito académico y educativo, Remedios estudia en la escuela de artes y oficios. En la España de la Restauración y la dictadura de Primo de Rivera existían grandes desigualdades jurídicas y sociales de género, en la que se solía mantener a las mujeres fuera del mercado de trabajo y del sistema educativo. Aun así, Remedios destaca en sus estudios. A los 15 años aprobó un examen para ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Remedios fue una de las primeras mujeres en estudiar en esta institución creada en 1752. Allí estudia entre 1924 y 1930, y conoce a Maruja Mallo (1902-1995), Salvador Dalí (1904-1989), e incluso a quien será su primer marido, Gerardo Lizarraga (1905-1984).

Durante sus estudios realiza un curso extra voluntario sobre dibujo científico. En la academia recibió clases de Manuel Benedito (1875-1963) y Julio Romero de Torres (1874-1930). Remedios se aplica, aprende y pinta retratos, paisajes, y se configura una influencia en ella de artistas como El Bosco, El Greco, Goya. A su vez, adquiere interés por el movimiento surrealista, una de las vanguardias artísticas más importantes de aquel momento y del siglo XX. En un contexto sociocultural dominado por hombres, participa en tertulias de la Residencia de Estudiantes, llegando a conocer entre otros a Federico García Lorca (1898-1936) y Luis Buñuel (1900-1983). Y es que la vida de Remedios está llena de contrastes. Habiendo estudiado en colegios de monjas, años después se relaciona con las vanguardias españolas. De esta forma no resulta extraño que posteriormente expresa en sus obras esa huida de tradiciones severas y retrogradas en las que la mujer carece de libertad personal.

Francia y Gerardo Lizarraga

Recién acaba sus estudios se casa con Gerardo, su compañero de clase en 1930. Se instalan en Paris, y se matricula en la Escuela de Arte Libre de Paris, aunque pronto la abandona. Asiste a cafés donde se reunían artistas e intelectuales y comienza a conocer de primera mano al movimiento surrealista. Pese a que era un movimiento revolucionario y avanzado en su época, y que las mujeres ganaron protagonismo artístico con las vanguardias, existían notables límites y contradicciones. Remedios afirmó que “mi posición era la tímida humilde oyente, no tenía ni la edad ni el aplomo para enfrentarme a ellos, a un Paul Eluard, un Benjamin Peret, o un André Breton. Yo estaba con la boca abierta dentro de ese grupo de personas brillantes y dotadas” [2]. Aun así, terminó siendo respetada, aunque quizá de forma más lenta de lo normal, por el hecho de ser mujer. No olvidemos, que algunos surrealistas consideraban a la mujer como una musa, lo cual constituía un estereotipo y rol de género adverso para Remedios y todas las mujeres. Leonora Carrington (1917-2011), gran amiga de Remedios dijo que “No tuve tiempo para ser la musa de nadie. Estaba demasiado ocupada rebelándome contra mi familia y aprendiendo a ser una artista” [3].La relación entre feminismo y surrealismo ha sido estudiada y analizada por diversas historiadores del arte feministas. Por su parte, Janet A. Kaplan, biógrafa de Remedios afirma que el surrealismo “regularmente excluye, no solamente a Varo, sino virtualmente a todas las mujeres asociadas con el movimiento” [4].

Francia y la Guerra Civil

En 1932 regresan de Francia, instalándose en Barcelona. Hace trabajos y dibujos para agencias publicitarias y llega a trabajar para Thompson. En 1935 termina su relación con Gerardo. Hasta 1937 vive en la Plaza de Lesseps. Allí, en 1935, compartió un estudio de pintura con el pintor surrealista Esteban Francés (1913-1976), quien fuera su amante y uno de sus compañeros creativos más importante en su vida. Esteban anima a Remedios a introducirse en el movimiento surrealista, capitaneado por André Breton (1896-1966), quien en 1924 elaboró el Primer Manifiesto Surrealista. En 1935 el pintor surrealista francés, Marcel Jean (1900-1993) y Oscar Domínguez (1906-1957) llegan a Barcelona y realizan trabajos conjuntos, los llamados cadáveres exquisitos, acercándose aún más al surrealismo.

En 1936 conoce al poeta surrealista francés Benjamin Peret (1859-1959), una de las personas más importantes en la vida de Remedios y con quien acabará teniendo una larga relación. El poeta surrealista Paul Éluard (1895-1952), a quien Remedios había conocido en Francia, presenta en Barcelona una exposición sobre Picasso organizada por la Asociación de Amigos del Arte Nuevo. Ese año se integra en el grupo Logicofobista, creado en enero de 1936, fue un movimiento vanguardista de claras influencias surrealistas que fue presentado el 4 de mayo de 1936 en Barcelona en una exposición en los sótanos de la librería Catalonia. Se expusieron 39 obras, 3 de las cuales eran de Remedios y de su compañera Maruja Mallo. Desgraciadamente, no se conservan buena parte de las obras que se expusieron. La exposición tuvo cierta resonancia y tenían intenciones de presentaciones y extender el movimiento en Madrid y otros lugares, pero la guerra civil truncó el proyecto.

Remedios comenzó una relación con Benjamin Peret, una persona con un gran compromiso social y conciencia política, que había estado organizado en Francia en círculos trotskistas. Por otro lado, Gerardo, su anterior pareja trabajó como cartógrafo para el ejército republicano hasta el final de la guerra. Pese a que la cubana y biógrafa de Remedios, Zoe Valdes, afirma que en Varo no hay ninguna ideología, su vida y actuaciones poseen una gran carga política progresista y antifascista.

Remedios solo estuvo en España el primer año de Guerra Civil. En 1937 vuelve a Paris con Benjamín Peret. De vuelta a Francia, Benjamin Peret sigue militando políticamente en la izquierda revolucionaria trotskista y colabora en la Federación Internacional del Arte Revolucionario e Independiente. Por otro lado, las obras de Remedios comienzan a ser expuestas en muestras surrealistas de diferentes ciudades, como Londres en 1937 o en la Exposición Internacional del Surrealismo en Tokio aquel mismo año. En 1938 se exponen algunas de sus obras en la galería de Bellas Artes en Paris, y en la galería Robert en Ámsterdam, mientras que en 1940 se exponen en México. Es decir, obras de arte de una mujer española eran expuestas por distintos países e incluso continentes. Remedios conoce a algunos de los artistas e intelectuales más sobresalientes del momento, guardando amistad con algunos de ellos. Conoce a André Breton, es amiga del escritor surrealista René Daumal (1908-1944), el pintor rumano Victor Brauner (1903-1966), etc. Sobre la estancia en Paris, Remedios afirmará en 1960: “No es fácil vivir de la pintura en Paris. Tuve muchas especialidades, entre ellas fui locutora. Traducía conferencias para latinoamericanos” [5].

Posguerra y Segunda Guerra Mundial. Exilio mexicano

El fin de la guerra civil con la victoria del ejército liderado por Franco, supuso un drástico retroceso en los derechos y libertades. Todos los avances de los años anteriores fueron anulados. Se instauró una dictadura de partido único con claras influencias fascistas. El 9 de febrero de 1939 se aprobó la Ley de Responsabilidades Políticas, que aplicándose con carácter retroactivo desde 1934, convertía en ilegal lo que fue legal durante la II Republica. Por tanto, tener antecedentes republicanos y de izquierdas, incluso antes del inicio de la guerra, era motivo de castigo. Se podía condenar a cualquiera; no solo por actos cometidos durante la guerra, sino por ejercer derechos y libertades que eran perfectamente legítimos durante la Republica.

Remedios Varo, no podía volver a España. Un país en el que, con la victoria de Franco, las mujeres sufrieron una enorme involución legislativa, perdiendo todos los derechos y libertades conquistados durante la Republica. Este retroceso social afectaba teóricamente a todas las mujeres, aunque las más perjudicadas y con gran diferencia fueron las mujeres republicanas que habían perdido la guerra. Estudios sobre la represión franquista indican que al terminar la guerra había cerca ce 363.000 personas presas, de las que entre 20.000 y 30.000 eran mujeres [6]. Los fusilamientos durante la posguerra rondan los 192.000 según diversos historiadores, y entre ellos hay constancia de ejecuciones de numerosas mujeres. En las tapias del cementerio de la Almudena, de los 2663 asesinados entre 1939 y 1945, 87 eran mujeres [7], entre ellas las llamadas 13 rosas, de las cuales 7 eran menores de edad.

También hubo persecuciones en el ámbito del periodismo. María Luz Morales Godoy (1889-1980), nombrada directora de La Vanguardia en 1936, fue la primera mujer en dirigir un periódico. Tras la guerra fue inhabilitada para ejercer el periodismo y no fue rehabilitada hasta 1978. Abundan los ejemplos de maestras, profesoras, pedagogas que sufrieron la cárcel, exilio, y la inhabilitación. Algunas no fueron rehabilitadas para su profesión hasta los años 50. Las mentes más brillantes del arte, la cultura, ciencia y la intelectualidad española que habían sobrevivido a la represión, estaban fuera de España, y en muchos casos no volvieron jamás, como el caso de Remedios Varo.

Remedios se topa de lleno con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en Francia. Cuando los nazis invaden Francia, su vida corre peligro, así como la de su pareja y amistades. Puede ser deportada a la España de Franco. De Paris huyen a Perpignan y a Marsella para evitar ser detenidos. Se encuentra en compañía de personajes como Jacques Herlod o Víctor Brauner, entre otros. Benjamien Peret es detenido en mayo de 1940. Pese a las precauciones es detenida por los nazis, se supone que sobre todo por ser la compañera sentimental de Peret y por dar refugio a un desertor del ejército francés [11]. Su detención se alarga durante meses, pero consigue huir con Benjamín Peret; primero a Marruecos (Casablanca), desde donde parten tras múltiples peripecias, riesgos y barcos abarrotados al puerto de Veracruz.

Remedios y Benjamin consiguieron llegar a México en diciembre de 1941. Muchos otros no logran huir de la represión fascista. Algunos amigos suyos son detenidos y torturados. Su ex marido, Gerardo Lizarraga, termina en el campo de concentración francés de Argelès, junto con miles de republicanos españoles. Remedios, como tantos otros exiliados, jamás volverá a España. No olvidemos que México, gobernado por Lázaro Cárdenas, acogió voluntariamente y con entusiasmo a buena parte del exilio republicano y antifascista. Aunque, pese a la buena acogida gubernamental, según cuenta el hijo de Gerardo Lizarraga, un artista como Diego Rivera (1886-1957) era “hispanófobo a morir” [12], mientras que Benjamin Peret desconfiaba del pintor mexicano por creerlo implicado en el asesinato de León Trotsky (1879-1940). Pero no será la única pintora española que se exilia en México; Manuela Ballester (1908-1994) y Paquita Rubio (1911-2008) sufren los campos de concentración franceses antes de llegar al país latinoamericano. Las pintoras Soledad Martínez, Carmen Milla y Elisa Piqueras también se exilian en México. Maruja Mallo se refugia en Argentina.

En la década de los 40, algunas de sus obras continúan apareciendo en exposiciones del movimiento surrealista en New York (1942), Paris (1947), etc. Pero, en general los primeros años en México no fueron fáciles. Ella se gana la vida con distintos trabajos como decoradora, diseñadora de máscaras y de vestuario para teatro y ballet. Realiza trabajos de publicidad bélica para los aliados en plena Segunda Guerra Mundial. También realiza dibujos y carteles publicitarios para Bayer entre 1942 y 1949, que firma con el nombre de “Uranga”, que era el apellido de su madre. Mientras tanto, Benjamín Peret trabaja como profesor y traductor de francés. Pero se separan en 1947. Benjamin, una vez acabada la Segunda Guerra Mundial no desea quedarse en México y quiere volver a Francia, donde prosigue trabajando con el movimiento surrealista. En 1958, Remedios cruzara el Atlántico para despedirse de su ex marido cuando se encontraba gravemente enfermo.

Marcha a Venezuela y regreso definitivo a México

Remedios comenzó una relación con el piloto exiliado francés Jean Nicolle y se instaló en Venezuela durante dos años. En este país se encuentra su hermano Rodrigo, que era el jefe de epidemiologia del Ministerio de Salud Pública y la ayuda a conseguir algunos trabajos. Remedios consigue trabajo como dibujante de ilustración de insectos en la Misión Científica Francesa de América Latina. Se convierte en una ilustradora entomológica, realizando trabajos técnicos especializados, reproduciendo insectos observados mediante microscopios, especialmente los mosquitos que trasladan la malaria.

En 1949, vuelve a México definitivamente, donde convive con numerosos exiliados republicanos españoles, siendo su casa habitual lugar de encuentro de antiguos amigos que conoció en Paris y de otros artistas e intelectuales: el artista plástico Gunther Gerzso (1915-2000) Gordon Onslow Ford (1912-2003), Luis Buñuel, Wolfgang Paalen (1905-1959) y su mujer, Alice Rahon (1904-1987), ambos pintores surrealistas, la fotógrafa anarquista Kathi Horna (1912-2000), etc. Mención especial merece su amistad con otra mujer, Leonora Carrington, con quien compartirá una estrecha relación creativa, además de amistosa. De hecho Remedios presenta a Leonora al fotógrafo Chiki Weisz (1911-2007), con quien posteriormente se casó [13]. Mientras tanto, sigue interesándose por las novelas, la biología, la ciencia, el psicoanálisis, la botánica, la astronómia, la física, etc.

Tras volver a México, aumentó su profesionalización en el mundo artístico. Lo que en un principio pareció como refugio temporal, se convierte en su definitivo lugar de vida. Su vida cambia cuando conoce a Walter Gruen (1914-2008), un refugiado austriaco que había sufrido los campos de concentración nazis de Dachau y Buchenwald, quien será su tercer marido, tras casarse con él en 1952. Su nuevo matrimonio la garantiza una seguridad y estabilidad económica que le permite dedicarse en exclusiva al arte y la pintura. Walter Gruen la animó a abandonar el carácter comercial y publicitario de sus trabajos y a dedicarse plenamente a la pintura. Su producción artística aumenta notablemente. Su amiga Leonora Carrington también la anima a pintar. En 1955 participa en una exposición en la galería Diana, y tras el éxito, al año siguiente presenta su primera exposición individual en la misma galería. Recibe una inesperada y gran acogida: expuso 12 obras y vendió varios cuadros y posteriormente recibió diversos encargos. En 1962 realiza su segunda exposición individual en la Galería Juan Martín. Remedios conseguía un gran interés del público, mientras tanto el panorama artístico en España era muy pobre y con escasa presencia de mujeres en la pintura.

Muerte inesperada y repentina

El 8 de octubre de 1963, a los 55 años de edad, en el apogeo de su carrera artística, murió repentinamente, de un ataque al corazón. Había recibido el encargo de pintar un mural para el nuevo pabellón oncológico del Centro Medico de la Ciudad de México, pero su prematura muerte truncó el proyecto [15]. Tampoco terminó su obra “Música del bosque”, en donde representaba a su marido en un bosque, supuestamente ubicado en Austria, su país de origen. A lo largo de su vida había pintado 364 obras [16]; también hizo una escultura con huesos de animales, concretamente de pavo y pollo. Incluso un ensayo de humor titulado Homo Rodans y otros relatos como “Recetas y consejos para ahuyentar los sueños inoportunos, el insomnio y los desiertos de arenas movedizas bajo la cama”, “Días de meditación” y “Trigo, aceitunas y naranjas, presérvate del frío con lana de oveja”. Murió joven, y su producción artística podría haber sido mayor de haber vivido más años. Una muerte que pasó completamente desapercibida en España.

Una excelente artista desconocida en España

Al margen de su excelente producción artística, varias etapas de su intensa vida podrían convertirse en excelentes novelas o películas. Pero no ha sido el caso; a casi 57 años de su muerte, la obra y vida de Remedios sigue siendo desconocida. Una pena, dado que hablamos de una pintora con influencias surrealistas, de maestros primitivos, autores renacentistas, pero con un gran estilo propio y personal, notablemente original. Su capacidad para pintar fabulas y metáforas es sorprendente. En sus pinturas nos encontramos personajes medio humanos y medio animales en entornos medievales y góticos. Sus dotes creativas eran sobresalientes, así como su minuciosidad, meticulosidad y detallismo. Reproducía tecnología, naturaleza, ciudades, paisajes, torres, gatos, castillos fantásticos. En ocasiones se produce una fusión entre naturaleza y arquitectura.

En buena parte de sus obras la mujer es protagonista, como agente creadora y figura poderosa. Como pintora surrealista se perciben revelaciones del subconsciente, elementos oníricos y una libre asociación de imágenes, con una simbología de difícil interpretación. En sus obras podemos ver desde a un relojero rodeado de relojes que marcan la misma hora (La revelación, 1955), una persona buscando el hilo invisible que une un pentagrama (Armonía, 1956), a un vagabundo vestido con un traje indescriptible (Vagabundo, 1957), a una mujer lechuza pintando aves que salen a volar desde el papel (Creación de aves, 1957), a personajes cuyo pelo es una nube y la barba un medio de transporte (Locomoción capilar, 1959), sombras besándose en el suelo (La despedida, 1961), un científico enigmático experimentando con plantas (Planta insumisa, 1961), una mujer pájaro soplando una flauta doble (El trovador, 1961). Por no hablar de originales obras como Fenomeno (1962), Transito espiral (1962), Naturaleza muerta resucitando (1963), etc.

Algunos expertos en Remedios han señalado la singularidad y originalidad de su estilo. Aunque pese a tener un estilo muy personal, a veces encontramos diferencias notables entre unas obras y otras. Zoe Valdes asegura que: “cada cuadro de remedios varo es una novela”. La crítica de arte Margarita Nelken (1902-1995) aseguraba un año después de su muerte que: “La producción de Remedios Varo tiene el sereno decurso de un río que nada empuja ni detiene. La técnica no es acierto, ni siquiera certidumbre, es virtuosismo espontáneo. Algo en que no aparece, no puede jamás aparecer la menor falla” [17]. Por su parte, Octavio Paz aseguraba que: “no pinta el tiempo sino la fantasía contra el furor en que el tiempo reposa” [18]. Janet A. Kaplan manifiesta que Remedios sitúa “escenas emocionalmente complejas en un ambiente doméstico y cotidiano” [19].

En España, apenas ha habido esfuerzos institucionales y gubernamentales para difundir la obra y la historia de Remedios. Encontramos pocas noticias, e incluso algunas de las publicadas en los últimos años trataban sobre el largo y complejo objeto de litigio del que han sido sus obras. Entre 1987 y 1992, Walter Gruen intento conseguir ser reconocido como heredero y acudió sin éxito a la justicia reclamando sus derechos de las obras expuestas en el Museo de Arte Moderno de México (MAM). El gobierno mexicano declaró posteriormente patrimonio nacional las obras de Remedios. Pero un tribunal mexicano declaro, por segunda vez, a su sobrina Beatriz Varo Jiménez como heredera única y universal, quien en 2003 declaró sus intenciones de donar algunas de sus obras al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía [20]. En 2004, una nueva sentencia judicial falló de nuevo a favor de Beatriz Varo [21], lo que provocó preocupación en México [22]. Finalmente, en enero de 2008 una sentencia señaló que el Estado mexicano era el único legitimo propietaria de las obras.

En un periódico como El País no encontramos una noticia sobre Remedios hasta 1988; en ella se indica que es “casi desconocida en España” [23], y podemos afirmar que en mas de 30 años no se ha avanzado lo suficiente. Aquel año, 25 años después de su muerte, el Banco Exterior de España organizó una exposición en Madrid, dirigida por la historiadora de arte Natacha Seseña (1931-2011), en la sede de su fundación, titulada “Remedios Varo”, con 54 oleos, 11 gouaches y 18 dibujos. Las 81 obras estuvieron expuestas entre noviembre de 1988 y enero de 1989. Entonces, la Fundación del Banco Exterior patrocinó una edición en castellano del libro Viajes inesperados: el arte y la vida de Remedios Varo, de Janet Kaplan [24], traducida por Amalia M. Gamero. En 1991 el Museo de Teruel organizó, otra exposición titulada “Remedios Varo, Arte y Literatura”. En 1999, la Fundación Cultura Mapfre Vida organizó en Madrid la muestra “Fuera de orden. Mujeres de la vanguardia española” [25]. Se exponían obras que abarcaban cronológicamente entre 1910 y 1945 sobre María Blanchard, Maruja Mallo, Ángeles Santos, Remedios Varó, la argentina Norah Borges y la georgiana Olga Sacharoff.

En 2008 la Universidad de Barcelona, organizó un congreso y seminarios internacionales dedicas a Remedios Varo [26], que contó con la presencia de diversos especialistas. Las exposiciones de los ponentes se editaron en el libro Remedios Varo. Caminos del conocimiento, la creación y el exilio. Ese mismo año se instaló una placa en unos jardines del barrio Diagonal Mar de Barcelona con el nombre “Jardines Remedios Varo”.

También en 2008, Elena Morales, doctora en Bellas Artes, presentó en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid su libro “Los universos mágicos de Remedios Varo e Isabel Allende. Fantasmas y Espíritus”, y manifestó que la parecía “inconcebible” la ausencia de actos conmemorativos en España ante el centenario del nacimiento de Remedios Varo [27]. En 2013 María José González Madrid y Rosa Rius Gatell, publicaron “Remedios Varo. Caminos del conocimiento. En 2017 en el Museo Picasso-Málaga se organizó una exposición 18 pintoras [28]: Eileen Agar, Claude Cahun, Leonora Carrington, Germaine Dulac, Leonor Fini, Valentine Hugo, Frida Kahlo, Dora Maar, Maruja Mallo, Lee Miller, Nadja, Meret Oppenheim, Kay Sage, Ángeles Santos, Dorothea Tanning, Toyen, Unica Zürn, y tambien Remedios Varo. También en 2017 tuvo lugar una exposición sobre 8 artistas surrealista, entre ellas Remedios Varo, en la Galería Mayoral de Barcelona [29].

Por el contrario, los proyectos divulgativos sobre Remedios en otras partes del mundo han sido significativos. Aunque, como ha ocurrido en otros ámbitos, referencias y personajes progresistas y revolucionarios, en ocasiones se ha tendido hacia la mercantilización y/o despolitización. No olvidemos que hace tres años vimos a la primera ministra conservadora Theresa May portando un brazalete de Frida Kahlo. Y es que en otro orden de cosas, existe un gran interés en adquirir sus obras, incluso a precios notablemente altos, y parte de sus trabajos se encuentra en colecciones privadas. El lienzo “Hacia la torre”, pintado por Remedios en 1960, fue comprado por 825.000 dólares en 1990 por la firma Christie`s [30]. La cantante Madonna dispone de cuadros de Remedios en su colección privada, y en el videoclip de su canción Bedtime Story se encuentran referencias a la obra “Los amantes” de Remedios.

Dicho lo anterior, un año después de su muerte, el Instituto Nacional de Bellas Artes de México organizó una exposición como homenaje póstumo a Remedios. En 1971 y 1983 el Museo de Arte Moderno de México organiza dos exposiciones sobre Remedios. En 1976 la Editorial Era publicó un libro sobre sus obras, en el que participó Octavio Paz, Juliana González y Walter Gruen. Aun años y décadas después de su muerte, el interés sobre la artista ha sido y es notable. En 1994 el MAM organizo una exposición retrospectiva sobre Remedios con 171 cuadros [31], que fue sumamente visitada. En el año 2000, el Museo Nacional de Mujeres Artistas (MNWA), organizó una exposición a Remedios [32], que obtuvo el interés de medios como The New York Times y el Washington Post. En el 2002, el MAM organizó otra exposición sobre Remedios con 39 obras, dividida en tres secciones. En 2007, Zoe Valdes publica la novela “La cazadora de astros”, inspirada en Remedios Varo. En 2012 el MAM de México acogió una exposición sobre mujeres artistas mexicanas y estadounidenses, llamada “In Wonderland, mujeres surrealistas” [33], organizada en el Los Ángeles County Museum. Se expusieron más de 200 obras de pintoras como Leonora Carrington, Frida Kahlo y Remedios Varo entre otras. En 2010 la Pallant House Gallery de Chichester, en el sur de Londres, organizó una exposición titulada “Amigas surrealistas” dedicada a Remedios Varo, Leonora Carrington y Katy Horna [34]. En 2016 se organizó otra exposición sobre Remedios en México, titulada “Remedios Varo. Apuntes y anécdotas de una colección” [35]. Dos años después, el MAM organizó una muestra titulada “Adictos a Remedios Varo. Nuevo legado 2018”, en la que se exponían dibujos de su archivo personal, donado por la viuda de Walter Gruen, Anna Alexandra Varsoviano (1927-2015), que fue amiga de Remedios y esposa de Walter tras su muerte. No olvidemos que el MAM es la única institución que posee una colección amplia de obras de Remedios Varo. Las 38 obras que dispone el museo estaban valoradas en 24 millones de euros en 2002 [36], cuando el Estado mexicano las nacionalizó.

En 2018, se estrenó una obra de teatro en Paraguay sobre la vida de Remedios Varo, dirigida por Raquel Martínez, quien afirmo que “En la obra, contamos que luchó para dejar de ser una musa y convertirse en una creadora porque en ese tiempo los pintores seguían teniendo a la mujer como una modelo” [37] Remedios Varo continúa despertando simpatías en América. En 2019, el grupo de música mexicano Virrey, tituló “Remedios Varo” a una de sus canciones de su disco Anima. Pero Remedios continúa siendo una desconocida en España, donde escasamente se disponen tres lienzos en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Razón de más para que multipliquemos esfuerzos para no dejar que lo mejor de nuestro pasado caiga en el olvido. Debemos mantener viva la memoria histórica de los oprimidos y del exilio, y continuar intentando romper con todas las herencias culturales, sociales y políticas del franquismo, con una clara perspectiva de transformación social.

“Imprescindibles – Remedios Varo”. TVE. 2014. 

“Mujeres para un siglo – Remedios Varo: La pintura”. TVE. 2004. 

“Maruja Mallo – A fondo”. TVE. 1980. 

“Imprescindibles – Las sin sombrero”. TVE. 2015. 

“Remedios Varo: Misterio y revelación”.

Notas

[1] Antequera Lucas, J.L, “Remedios Varo (1908-1963): El viaje interior”, UNED, Espacio, Tiempo y Forma, Serie VII, Historia del arte, t. 20-2, 2007-2008

[2] Antequera Lucas, J.L, “Remedios Varo (1908-1963): El viaje interior”, UNED, Espacio, Tiempo y Forma, Serie VII, Historia del arte, t. 20-2, 2007-2008

[3] Pulido, N, “Madrid, capital surrealista”, ABC, 03/10/2013.

[4] KAPLAN, J: Viajes inesperados. El arte y la vida de Remedios Varo. México D.F. Ediciones Era. 1988. pp. 234

[5] De Diego, E, “Remedios Varo, la moderna visionaria”, El País, 28/01/2016.

[6] EGIDO LEÓN, Ángeles: “El precio de la militancia femenina: acción política y represión”. En EGIDO LEÓN, Ángeles y FERNANDEZ ASPERILLA, Ana (Eds): Ciudadanas militantes feministas. Madrid, Eneida, 2011, p. 52.

[7] Idem p. 56

[8] Idem, p 56, 57: “En la fosa de Grazalema (Cádiz), por ejemplo, se han encontrado restos de al menos 15 cadáveres de mujeres (4 de ellas embarazadas), asesinadas de manera brutal –no hay huellas de balas en los cuerpos. La memoria colectiva recuerda que fueron arrojadas a la fosa en el verano de 1936 después de haberles rapado el pelo al cero y paseado durante dos días por las calles del pueblo como escarnio publico y para escarmiento general. En el cementerio de San Rafael (Málaga), donde han sido exhumados ya los restos de 2.200 fusilados entre 1937 y 1939, se ha calculado que un 20% de ellos corresponden a mujeres (….) En la fosa de Villanueva de la Vera (Cáceres) se han encontrado restos de 5 mujeres, simples jornaleras, salvajemente tiroteadas por las autoridades falangistas locales. En Candeleda (Ávila), han aparecido 3 mujeres. En Covanera (Burgos), en el paraje denominado La Penilla, 15 cuerpos, de ellos 2 de mujeres”.

[9] En Santiago Vega Sombría 2001 “La política del miedo”. Critica. Barcelona. Pg 278.

[10] Adela Muñoz Páez, “Heroínas olvidadas: científicas españolas de la II República. Treinta y seis mujeres constituyeron un brillante germen de la presencia femenina en la ciencia española”, El País, 13 de febrero de 2017. 

[11] De Llano, P, “Grandes minucias de Remedios Varo”, 16/09/2016

[12] “Imprescindibles – Remedios Varo. TVE. 2014.

[13] Ibarz, M, “Remedios Varo la logicofobista”, El País, 17/03/2008.

[14] Lucas, A. “Surrealismo furtivo de Remedios Varo”. El Mundo, 01/11/2015.

[15] fDe Diego, E, “Remedios Varo, la moderna visionaria”, El País, 28/01/2016.

[16] ANTEQUERA LUCAS, J.L: 2008-2008, “Remedios Varo (1908-1963): El viaje interior”. Revista Espacio, Tiempo y Forma, Serie II, Historia del arte, t. 20-21, pp. 341-361.

[17] CASTELLS, I: Remedios Varo. Cartas, sueños y otros textos. México D.F. Ediciones Era. 1994.

[18] H.JP, “Descubriendo a la pintora gerundense Remedios Varo, figura del surrealismo”. La voz de Galicia, 22/10/2015.

[19] KAPLAN, J: Viajes inesperados. El arte y la vida de Remedios Varo. México D.F. Ediciones Era. 1988, pg. 124

[20] Bono, F, “Una española, declarada heredera de 38 cuadros de Remedios Varo”, El País, 23/06/2003.

[21] Bono, F, “Una española, heredera de la pintora Remedios Varo”, El País, 20/09/2004.

[22] Cascante, M, “Intelectuales mexicanos rechazan la salida del legado de Remedios Varo”, ABC, 17/02/2004.

[23] JARQUE, F, “El Banco Exterior presenta la primera retrospectiva de remedios Varo en España”. El País, 04/11/1988.

[24] CALVO SERRALLER, F, “Biografía de una mujer surrealista”. El País, 04/11/1988.

[25] Díaz de Tuesta, M.J, “Una exposición rescata a seis pintoras de la vanguardia española”, El País, 10/02/1999. Véase también: Castro Florez, F, “Mujeres de Vanguardia”, ABC, 4/02/1999, pp. 28-29

[26] Combalia, V, “Remedios Varo y la plaza de Lesseps”, El País, 06/12/2008.

[27] “Reivindican a la pintora española Remedios Varo «para que siga el camino de Kahlo”, Publico, 27/02/2008.

[28] “Rebelión femenina en el surrealismo”, ABC, 17/10/2017.

[29] “Frida Kahlo, Dora Maar y todas las mujeres del surrealismo”, ABC, 16/01/2017.

[30] “Un cuadro de Frida Kahlo, record de venta del arte latinoamericano”, El País, 04/05/1990.

[31] Rico, M, “El triunfo póstumo de Remedios Varo”, El País, 06/04/1994.

[32] “Una española en el único museo del mundo dedicado al arte femenino. El MNWA de Washington muestra una antológica de la pintora Remedios Varo”, El País, 27/02/2000.

[33] Huerta, R, “El país (femenino) de las Maravillas (surrealistas)”, El País, 25/11/2012.

[34] “La historia de una amistad surrealista”, Publico, 02/08/2010. 

[35] De Llano, P, “Grandes minucias de Remedios Varo”, 16/09/2016.

[36] Molina, E, “México nacionaliza la obra de la artista Remedios Varo y se queda sus derechos”, ABC, 02/05/2002.

[37] Villar Ortiga, C, “obra de teatro recupera la vida olvidada de la artista exiliada Remedios Varo”, La Vanguardia, 12/12/2018.

Fotos: Archivo AmecoPress. 

Las islas de Diana

Juan Arturo Brennan

Paradoja perfectamente comprensible: la actual imposibilidad absoluta de realizar actividades culturales en vivo con público ha desatado una auténtica explosión de música en línea que cubre una gama enorme, casi infinita, de ideas, formatos, expresiones, modos de producción y vías de difusión, que van desde los esfuerzos individuales de quienes reparten música en vivo desde su estudio, hasta el reciente, monumental Festival Mahler que el Concertgebouw de Ámsterdam realizó en línea. Un ejemplo actual, interesante y bien logrado, es la pieza coral Islas, escrita en Alemania por la compositora mexicana Diana Syrse a pedido expreso de la Universidad Nacional Autónoma de México, a través de El Aleph. Festival de Arte y Ciencia, que se desarrolla en línea por estos días.

La presentación de Islas en El Aleph incluyó breves intervenciones de la propia compositora, del dramaturgo Martin Mutschler (coautor del texto, con Diana Syrse), Homar Sánchez (editor de audio y video) y Marco Antonio Ugalde, quien dirige aquí (hasta donde se puede hablar de dirigir, dadas las circunstancias) al Coro de Cámara Staccato. En su intervención, Mutschler afirma, entre otras cosas, que la intención al hacer esta pieza videomusical era presentar al espectador algo más que un coro cantando. Y en efecto: el video está ensamblado básicamente con imágenes de manos, tierra, agua, espacios, sombras, luces, formas y, sí, los intérpretes cantando. Entre ellos, por cierto, y en calidad de solista, la propia Diana Syrse, quien además de compositora es cantante, y por ello tiene un especial reconocimiento como creadora de partituras vocales.

A su vez, Homar Sánchez mencionó el dato duro de que los coros virtuales no son una novedad en la red; de hecho, este tipo de mosaicos corales se han estado realizando y divulgando desde hace ya varios años. La diferencia es que en estos tiempos ya no se trata de una novedad o de un experimento, sino de una necesidad apremiante. (Recomiendo, entre las propuestas pioneras y exitosas, la revisión del video de la obra Lux Aurumque, del compositor estadunidense Eric Whitacre.) Como bien menciona Sánchez, por el momento no nos queda otra que tolerar las enormes dificultades y limitaciones técnicas que conlleva este tipo de montajes musicales virtuales.

Islas es una obra escrita para voces habladas, cantadas, suspiradas, murmuradas, percutidas, utilizadas como instrumentos. A lo largo de la breve y expresiva partitura, Diana Syrse construye un discurso sonoro bien articulado que, no obstante sus diversos momentos de superposición de varias ideas, mantiene siempre la claridad. Desde el punto de vista del estilo general de la pieza, la compositora se vale de algunas herramientas provenientes de lenguajes y expresiones populares (es posible detectar, por ejemplo, algunas armonías cercanas al mundo del jazz), bien contrastadas con episodios que están construidos con elementos cabalmente contemporáneos. Entre estos episodios hay uno particularmente interesante, cercano al final de la obra, en el que Diana Syrse construye una especie de Babel sonora (cuya representación en imagen refuerza el efecto buscado) que solicita del oyente una concentración especial. En lo que se refiere al texto, sería posible destacar varias ideas y conceptos interesantes, entre los cuales hay una frase contundente, y que es relevante no sólo hoy en tiempos de pandemia y encierro, sino que tiene un alcance más universal: Cuando las islas se vuelvan un solo continente. De viva voz de la compositora: Islas es una obra auténtica y sencilla, que no tiene otra intención más que la de mostrar nuestra experiencia durante el aislamiento.

Como corolario a esta reseña particular, vale decir que Diana Syrse es una de nuestras compositoras más interesantes, y que su música bien merece ser explorada por los melómanos interesados en la producción nacional. A la fecha, no hay mucha obra suya grabada, pero hay varios ejemplos distribuidos en el muy famoso tubo musical cibernético.

Para vivir, los actores necesitamos al público: Susana Alexander

Elena Poniatowska

-¿Cuál es la situación de los actores en este momento? –pregunto a Susana Alexander, gran actriz de teatro, cine y televisión, maestra de generaciones de excelentes intérpretes y premio a la mejor actriz desde 1985.

–Tardé en darme cuenta de que nosotros los actores no íbamos a poder trabajar en mucho tiempo porque no somos necesarios. Quienes trabajan en su casa como pintores y escritores necesitan la soledad. Nosotros no, para ser, para existir necesitamos al público. Los que estamos en el escenario dependemos de quienes nos reciben. Artistas, performers, bailarines, cantantes o músicos damos, pero necesitamos al público… Si no lo tenemos, no existimos. No tiene ningún sentido ser un virtuoso y tocar tu violín si no hay quien lo reciba en su alma.

–El contacto es lo que importa…

–Todos los que hacemos arte en vivo creemos que transformamos al ser humano a través de distintas expresiones, pero si se rompe el diálogo, nuestra presencia en el escenario no tiene sentido. Ahora, con los teatros cerrados, muchos artistas sentimos la muerte.

–Quedan los medios electrónicos…

–Yo soy la negación de la modernidad, no tengo ni computadora; me tuve que meter a las redes sociales y ahora grabo poesía con mi telefonito, encerrada en mi casa... algún cuento, una fábula, un recuerdo, para acercarme a la gente, porque la necesito. La necesito. La gente no me necesita a mí. Yo no podría decir: Mi público. ¿Cuál? Yo no tengo mi público, si lo tuviera, entonces, rápido, a todos les avisaría: Búsquenme en las redes sociales, Susana Alexander. Mi sección se llama La cana al aire y digo poesía. Ojalá que la gente quiera escuchar cuentos hermosos. Todo lo quiero compartir, todo lo que embellece mi vida y la de otros.

“En esa situación estamos todos los artistas. El gobierno nos hizo el favor de ofrecernos ahora que pase la pandemia, reiniciar actividades, pero sólo con 25 por ciento del cupo del foro de nuestros teatros.

Yo, por ejemplo, que trabajo en teatros chicos, de 250 o 300 butacas, no logro sacar mis gastos, ni siquiera los anuncios.

–¿La renta del teatro?

–Morris Gilbert, que tiene esos maravillosos musicales, y Tina Galindo protestaron: Con eso no logramos pagar nada. Tienen 60 actores y músicos. Los grandes musicales no pueden funcionar con 25 por ciento. Las autoridades no saben lo difícil que es atraer al público a algo que no les es necesario.

–¿El teatro no es necesario?

–No somos necesarios, ni modo, no pasa nada. Ya lo sabemos. La belleza y lo que aportamos sí es necesaria. Desde luego, un plato de frijoles es más necesario, en eso estoy completamente de acuerdo, pero no sólo de pan vive el hombre. ¿Cómo hacer para que la gente nos vea? ¿Cómo hacer para que yo pueda estar cerca de la gente? Tengo compañeros que han inventado cosas extraordinarias, increíbles. Se mete uno a las redes sociales y el ingenio salta como conejo. Felicito a todos los artistas. ¿Cuál no será nuestra necesidad de comunicación que hemos hecho milagros, desde un ballet con bailarines que salieron vete tú a saber de dónde, hasta el video de ejercicios sobre la hamaca de una yucateca para que no se le cuelguen los brazos como se me cuelgan a mí?

–El talento de cada artista…

–Es la creatividad que han sacado a la luz en todas las disciplinas dentro de nuestra desesperación para acercarnos al público.

–Recuerdo que en una función, en Ocosingo, Chiapas, regañaste a un espectador mal sentado. También dabas clase de civismo. Eras muy civilizatoria en tu comunicación con el público…

–Creo que debí haber sido maestra, porque educo a la gente en todos los sentidos. Si a mí me dijeras que tengo que entrar a una mezquita y me enseñas los rituales, yo los cumplo con todo respeto. Uno aprende el respeto a los demás a través de la vida; no nacimos sabiendo, alguien te lo tiene que explicar. Regañé a ese muchacho acostado porque nosotras nos habíamos levantado a las seis de la mañana, viajado quién sabe cuántas horas en un camino de brecha para llegar a Ocosingo y hablar de sor Juana Inés de la Cruz y Rosario Castellanos. Merecíamos cierto respeto. Recuerdo que nos ofrecieron un palenque y me negué: No, ahí no hacemos nada. Entonces nos dieron un saloncito con sillas”. Cada disciplina tiene sus protocolos.

“Para mí, dar conferencias y actuarlas en los años 60, 70 y hasta los 80, fue una época extraordinaria que recordaré toda la vida; es lo mejor que me ha pasado. Tuve la fortuna de trabajar con un gran responsable de la cultura, don Manuel de la Cera, quien tenía una visión de nuestro país generosa y creativa; abarcaba a todos los pueblos, todos los villoríos, todos los mexicanos. Desafortunadamente, no se ha repetido. Recuerdo que en ese mismo Ocosingo se acercó un estudiante a preguntarnos por qué no había hablado de Primero sueño. Sabía más que nosotras. De veras fue toda una experiencia.

–Y tu encierro, ¿qué significa?

–Bueno, ahora ya compré hasta un tripié para hacer sola mi espectáculo. Me maquillo y leo poesía y cuentos. Como no traigo el chip de la tecnología, a duras penas pongo a andar mi video y me lanzo a buscar entre toda la gente que tal vez está buscando algo, un alma que quiera conectarse conmigo.

–¿Sientes que hay interés del gobierno de buscar a jóvenes y a viejos y decirles: Aquí estamos, queremos ayudarlos?

–Ninguno. El presupuesto para la cultura bajó. No ofrecemos ningún interés. No hay. Gracias a Dios, nosotros pudimos vivir una cultura participativa, ir a los pueblos; hay que congratularnos de que nos haya pasado.

–Susana, como maestra y como actriz, ¿qué sugerirías tú que hiciéramos después de esta pandemia?

–Por supuesto que me gustaría que alguien en las secretarías de Cultura y de Educación dijera: Vuelvan a nuestras escuelas. Que el Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación dijera: Vengan a las aulas, es indispensable que nuestros maestros tengan una educación integral, no sólo la de las materias que imparten, sino la del arte. Recuerda a Pilar Rioja bailándoles flamenco; a Betsy Pecanins cantándoles blues y explicándoles qué es; a Margie Bermejo cantando jazz y revelándoselos; a Felipe Ehrenberg con sus talleres de grabado y dibujo. Artistas de distintas disciplinas fuimos a enriquecer a las escuelas. Parece que el Tren Maya es más importante que todo lo demás. ¿Qué hace uno? Nada. Te compras tu tripiecito y tu camarita, sonríes y te animas: “Quién quita y a lo mejor tres, cuatro, diez personas me vean y piensen: ‘Qué padre que está pasando esto’”.

Félida Medina, maestra non

Arte y Tiempo

Raúl Díaz

La generación que tuvo la fortuna de ver la puesta en escena que dirigió Julio Castillo en el teatro que hoy lleva su nombre, en el Centro Cultural del Bosque, sabe que Cementerio de automóviles, de Fernando Arrabal, marcó un antes y un después en el teatro mexicano. Las generaciones posteriores que no la vieron, pero están ligadas al arte escénico, lo saben también y conocen que en ese montaje participaron todos los compañeros del director, estudiantes de la entonces llamada Escuela de Arte Dramático de Bellas Artes. El o la que no participó como actor o actriz fue asistente de dirección, encargado de iluminación, vestuarista, maquillista o corre ve y dile, pero todo mundo estuvo. Había algo así como una premonición de que esto sería trascendente y nadie quería quedar fuera, todos intuían que años después sería un orgullo poder decir: yo estuve allí.

Pero de esos todos había algunos, pocos, que no habían llegado de forma espontánea, sino llamados por el director, quien sabía que para montar esa obra –que en teatro sería lo que Los olvidados fue en el cine– tenían que ser lo mejor del pensamiento y la innovación creativa. El espacio donde las acciones se desarrollarían jugaría, necesariamente un papel fundamental. Para crear ese espacio, y decirnos cómo era real y exactamente el sitio donde los hechos ocurrían, fue llamada la única artista mexicana capaz de hacerlo: Félida Medina.

Nacida en Oaxaca, la maestra Medina, al igual que su primera gran creación, marcó un antes y un después en el quehacer escenográfico nacional. Con una estética en la que los elementos autóctonos siempre estaban presentes, su obra se alimentaba de lo puramente mexicano, mandando al diablo lo suntuoso y superfluo que adornaba pero no decía, dejando sólo lo esencial, lo que servía para expresar, para mostrar la verdad del espacio construido que debía enmarcar, vestir el resto de la verdad escénica. Por eso la maestra nunca fue una escenógrafa comercial ni pasta de todos los moles, sino un pieza muy especial de los proyectos en los que participaba, misma razón por la que no aceptaba todo lo que se le proponía ni a todos los directores. Trabajó con Julio, Pepe Solé, hizo Los albañiles, de Vicente Leñero, así como con Willebaldo López y creó la escenografía para otra obra que marcó época, El extensionista, y otras tantas cosas. Nunca se vendió a la mejor oferta económica; siempre eligió en qué y con quién trabajar, exigiendo libertad plena para lo que quería hacer.

Fue la escenógrafa obligada e imprescindible de los hoy también legendarios festivales de oposición, órgano del Partido Comunista Mexicano (PCM), del cual fue orgullosa integrante desde los años 70 hasta su desaparición, en 1981.

La desaparición de su partido, sin embargo, no fue óbice para no seguir sus ideas y conducta revolucionaria que se manifestó siempre en su trabajo escenográfico y en su inmensa labor como docente, ya que, ingresada a la escuela teatral en 1963, apenas siete años después se convirtió en la maestra por excelencia de la carrera de escenografía, en la que sus alumnos se cuentan por decenas. Su concepción comunista, siempre presente, la llevó a colaborar activamente aun cuando el PCM ya no existía, con el movimiento revolucionario guatemalteco que en esos años sostenía lucha a muerte con las dictaduras militares de ese país.

Este aspecto político militante que apenas ha sido mencionado, que para nada empaña su talento y trabajo espléndido, sino al contrario, lo enaltece, habla de la congruencia y conducta integral de esta auténtica e insigne maestra que merece todos los reconocimientos, el nuestro queda aquí plasmado.

Músicos buscan hacer más ameno el encierro y acercarse a sus fans

Apagón musical afecta tanto a artistas como a sus equipos de producción

▲ La chilena Mon Laferte, en imagen de archivo, ofreció a sus seguidores un recital desde su cocina.

El colombiano J Balvin promueve un nuevo disco sin salir de casa; la chilena Mon Laferte toca un recital acústico desde su cocina; el argentino Fito Páez hace versiones de Caetano Veloso en la sala. Estrellas de la música latinoamericana enfrentan así los duros tiempos de confinamiento por el coronavirus.

Con giras pospuestas o canceladas y aplazamientos de estrenos de álbumes por la emergencia sanitaria derivada de la Covid-19, los músicos buscan formas de hacer más ameno el encierro y mantenerse en contacto con sus seguidores.

Natalia Lafourcade publicó en Instagram una versión de Amor de mis amores, de Agustín Lara: Mientras la cantaba pensaba en cómo tantas veces la canté con muchos de ustedes en conciertos, escribió al pie del video.

La ganadora de un Grammy y 11 premios latinos de estos es una de las tantas que se vio obligada a cambiar sus planes por la pandemia, que está pegando fuerte en la creciente industria musical de la región y enfrentándola a un futuro incierto.

Otros músicos han utilizado las redes sociales para mostrar su cotidianidad, como el brasileño Caetano Veloso, quien en su cuenta de Facebook subió un video de un minuto y 39 segundos, donde, en pijama, toca la guitarra la canción Ai Xangô, Xangô Menino, en la sala de su casa; además, compartió recuerdos musicales y puso en venta algunos de sus discos.

Frente a esta emergencia global, lo que deben hacer los artistas es compartir sus canciones con un sentido más humano y menos comercial, dice a la Afp César Rosas, mánager y consultor musical en México.

Es un freno indefinido

A mediados de marzo, el coronavirus impuso un freno indefinido a la millonaria industria de conciertos en Estados Unidos y Europa, lo que se replicó en América Latina.

Este apagón desnudó una problemática latente entre los trabajadores más desprotegidos: los técnicos de producción, en su mayoría independientes y sin beneficios sociales.

Nos afecta muy fuerte y directamente, ya que los conciertos son una de las primeras actividades que se frenaron en México, y desafortunadamente será una de las últimas en reactivarse, asegura Édgar Morales, ingeniero de audio de Panteón Rococó.

En este contexto, Ximena Sariñana lanzó una iniciativa mediante una plataforma de compraventa de segunda mano, para comercializar parte de su clóset. Lo recaudado será donado a equipos de trabajo afectados por la cancelación de conciertos.

Desde México, con su vasta oferta de espectáculos y festivales; pasando por Colombia, con el masivo y longevo Rock al Parque, hasta Chile y Argentina, con sus versiones locales del mítico festival Lollapalooza, el sentimiento de incertidumbre es el mismo.

Rosas lo sintetiza: Jamás una enfermedad nos había puesto a todos los de la industria musical en un mismo barco.

Según la revista Rolling Stone, el entretenimiento en vivo a nivel global deja unos 26 mil millones de dólares al año.

Solo en Estados Unidos, las ventas de entradas de las 100 giras más esperadas en 2019 generaron 5 mil 600 millones de dólares, de acuerdo con The New York Times.

En México, la productora Ocesa esperaba retomar sus conciertos el 19 de abril, pero la declaración de la fase 2 de la epidemia por las autoridades, que implica el aislamiento social, frustró sus planes.

Ocesa, tercera mayor productora mundial y socia del gigante estadunidense Live Nation, organiza unos 30 festivales anuales en México, incluido el Domination Fest, que ya fue reprogramado para 2021.

El país fue sede del Vive Latino, última gran actividad que quedó en pie en la región a mediados de marzo, y convocó a decenas de miles de personas.

En Colombia, el presidente Iván Duque ordenó la cancelación de actos masivos hasta nuevo aviso, provocando el aplazamiento de los festivales Jamming y Estéreo Picnic para noviembre y diciembre.

Las ediciones chilena y argentina del festival Lollapalooza, previstas para marzo en Santiago y Buenos Aires –con Guns N' Roses como cabeza de cartel–, fueron igualmente postergadas para noviembre. En Brasil, pasó a diciembre.

Para Chucky García, programador artístico del colombiano Rock al Parque, el festival latinoamericano más antiguo, el hecho de que la industria musical dependa principalmente de los conciertos y las plataformas de streaming tiene graves consecuencias.

“Uno piensa que en estos momentos habría servido mucho que la gente siguiera comprando discos compactos y vinilos y que la industria dejara de decir que ‘el en vivo es el ombligo de este negocio’”, señala García.

Foto Afp

Afp

Periódico La Jornada

Arte y tiempo ; Sugar

Sugar

Raúl Díaz

La situación de posguerra llevó a Estados Unidos al gran Crack de 1929, a la recesión económica y crisis de los años 30, lo que, entre otras cosas, produjo el desempleo de millares de personas, entre ellas músicos que formaban parte de las bandas, conjuntos musicales que se presentaban en centros nocturnos, restaurantes, salones de baile y sitios similares que los despedían por ya no poder pagarles o simplemente porque quebraban, mientras la delincuencia, en complicidad con las autoridades, se enriquecía más y más con la violación de la ley seca y trata de blancas, entre otros. Todo esto al ritmo del tap, jazz, las bellas flappers, corbatas blancas, trajes a rayas, guerras de pandillas y, claro, acumulación mayor de los señores del dinero.

De todo esto hizo, en 1959, una parodia estupenda el cineasta Billy Wilder en la película que en español conocimos como Una Eva y dos Adanes que protagonizaron dos actores estupendos, Jack Lemmon y Tony Curtis y, como auténtico ángel caído del cielo para deleite de los humanos, la nunca suficientemente bien ponderada Marilyn Monroe.

Poco tiempo después, con libreto de Peter Stone, música de Jule Styne y letra de las canciones de Bob Merrill, la película saltó al teatro y, ya como Sugar, alcanzó igualmente un éxito total, llegando al país en 1975 de la mano de ese señor del teatro Manolo Fábregas y su esposa, Fela, igualmente una figura teatral. Su escenificación aquí ocurrió a cargo de Silvia Pasquel, Enrique Guzmán y el ya desde entonces gran actor, Héctor Bonilla.

A 45 cinco años, de nuevo, en el Teatro Insurgentes, Sugar vuelve a México, tan fresca, divertida y estimulante como entonces, y en medio de la diversión sigue diciendo cosas que, dado su formato de comedia musical, se diluyen para la mayoría del público, pero están allí –y en la vida real, aquí, desgraciadamente–, como la impunidad gansteril que permite toda clase de crímenes, incluso los financieros y, en contraposición, la abierta tolerancia referida a las preferencias sexuales de cada quien, resumida en la frase final de la obra: Nadie es perfecto.

Bajo la dirección de Anaí Allue, la divertida aunque en el trasfondo patética historia de Joe y Jerry, dos músicos desempleados que por hambre han tenido que asistir a un sitio donde contemplan un asesinato colectivo, se ven obligados a huir y disfrazarse de mujeres para trabajar en una orquesta femenina, transcurre fluidamente, ágil, relajante y divertidamente, gracias en buena parte a la coreografía de Óscar Carapia, así como de su residente, Gabriela Aldaz Perroni y, por supuesto de manera subrayada, gracias al desempeño del incansable coro masculino y femenino que hace de todo en un trabajo a todas luces agotador, pero que ellos y ellas desarrollan con tal frescura y desparpajo que hasta lo hace parecer fácil.

En los papeles protagónicos, desenvolviéndose, en orden ascendente por calidad histriónica, están: Arath de la Torre (Joe); Cassandra Sánchez Navarro ( Sugar), nieta de los Fábregas, a quien confieso no recordar en actuaciones anteriores, pero a partir de aquí lo haré por la calidad de su desempeño, y Ariel Miramontes, una gratísima sorpresa, ya que su más conocido mote de Albertano, no me presagiaba nada positivo, pero su desempeño como Jerry y su caracterización femenina sólo merecen mi aplauso. Mención especial para ese veterano y muy buen actor que es Mauricio Herrera, quien a lo largo de su carrera nos ha dejado cosas muy recordables y que en Sugar nos ratifica su gran oficio.

Sugar, con orquesta en vivo bajo la dirección de Carlos A. Ramírez, y con una escena, merecido homenaje a la Divina Marilyn, en el eatro de los Insurgentes, se presenta de jueves a domingo.

Arte y tiempo : Moscú

Raúl Díaz

En forma totalmente involuntaria, Aurora Cano, autora de Moscú, obra que actualmente cumple una breve temporada en el teatro El Galeón (ahora justamente apellidado Abraham Oceransky), da la entrada para este comentario. Es que, al principio de la puesta en escena, una de los personajes pregunta a otra: ¿qué dijo el crítico?, y esta última responde: dijo que era pretenciosa, le pareció pretenciosa y no le gustó.

Tengo que aunarme al juicio de ese hipotético crítico porque a mí, real y no hipotético ni personaje de ficción, igualmente me pareció pretenciosa.

Supuestamente, tres actrices acaban de estrenar su particular versión de Las tres hermanas, de Chéjov y, sobre esta base se desenvuelve toda la trama que, a fuerza de querer ser, acaba no siendo –perdida– sin llegar a ningún lado.

No sé si ese llegar a ningún lado es una pretensión de la autora de escribir una pieza siguiendo la línea marcada por Chéjov, el gran maestro creador en ese género pero, si es así, fue una intención fallida.

Hay, a lo largo de toda la obra, una enorme presunción intelectual y menosprecio al público, al que, incluso, la autora se siente obligada a explicar en qué consiste y cómo se inició el uso-deseo de la palabra merde –en francés–, que tan conocida es entre los teatreros y el público en general, sólo que aquí ni siquiera la usa en esa lengua, sino claramente la repite una y otra vez en español (mierda).

Haciendo frecuente alusión a las tres hermanas originales, para que el público no se olvide de que sobre esa obra está bordando, e incluso llamándolas por su nombre del personaje –Masha, por ejemplo–, la autora desarrolla su propia trama, siempre en tono altisonante de gran conocedora de múltiples materias y personalidades entrándole, sin decirlo, al sicoanálisis y, a la manera de Chéjov, al retrato sicológico de personajes, sólo que, con pena, a años luz del dramaturgo ruso.

Así, cada una de las hermanas va exponiendo su problemática personal, que, claro, se entrelaza con la de las otras y que, por extensión y puesto que somos entes sociales, está ligada también a los factores exógenos del mundo que las y nos rodea.

Es aquí donde me pierdo yo, porque no alcanzo a comprender el mensaje o los mensajes que Aurora Cano quiere darnos, si es que quiere darnos uno, o tal vez sea que no quiere dar ninguno. Así las cosas, la obra por algún momento me pareció con propósitos nihilistas, pero luego me dije que no, que más bien era una intención de denuncia y protesta contra este sistema inmundo en el que estamos inmersos, pero en un tercer momento pensé que no, que de lo que se trataba es de un llamado a la fraternidad, a la solidaridad. Confieso que al final no logré concluir si estas o alguna otra alternativa era la buena.

Bastante menos complicada resulta la apreciación del montaje que la propia autora se encargó de dirigir. Aunque conscientemente repetitiva en algunas escenas, la directora consigue en general acciones limpias, trazos amplios y, cuando se requieren, pasajes íntimos, manejado todo a buen ritmo pero que es necesario repetir, no es el ritmo de la pieza aunque, reitero, no sé si la intención de la autora era escribir una pieza. A esta dirección responden con acierto las tres actrices del cuento, Carmen Mastache, Teté Espinoza y Tamara Vallarta, citadas en el orden en que aparecen en el programa de mano. Original, llamativo y funcional es el vestuario de Jerildy Bosh y, lo mejor, la muy imaginativa, atractiva a la par de práctica, escenografía e iluminación de Jesús Hernández que contribuye grandemente al desempeño visual de las intérpretes.

Las funciones de Moscú son los jueves a las 16 y 20 horas, los viernes a las 20 horas, los sábados a las 18 y 20 horas y los domingos a las 18 horas.

Arte y tiempo La exageración plausible

Raúl Díaz

Se necesita un actor con características específicas, empezando por las puramente físicas y biológicas, entre ellas la edad, ya que, en el menor de los casos, debe tener unos 60 años, aunque aparente más. Aquí entran otros requisitos: la apariencia y la movilidad propia de esa apariencia. Podrá argumentarse que esto pueden darlo el maquillaje, el vestuario, los trucos propios de éste y el trabajo actoral, pues no se necesita ser viejo para representar a un hombre de esa edad. Justamente, esa es otra característica, fundamental del personaje del que hablo, porque quien lo encarne tiene que ser necesariamente un gran actor de cualidades especiales. Un buen actor, a secas, no podrá producir los resultados que el dramaturgo imaginó y desea provocar.

Estoy hablando de La Exageración, pieza de David Olguín, que él mismo dirige y que es todo un canto a la actuación, a la categoría superior de el arte de la actuación.

Afortunadamente para él y para todos los que tengamos el placer de contemplarla, Olguín encontró el intérprete ideal para su Exageración... en Mauricio Davison, ese espléndido actor que en algunas ocasiones he calificado de raro, pero cuyas rarezas no hacen más que confirmarlo como el auténtico primer artista que es.

No sé si Olguín escribió la obra pensando en él; sin embargo, sin duda, sí lo hizo pensando en rendir homenaje a los grandes, viejos actores (y actrices) que han dedicado su vida –y dejado lo mejor de ella– en los escenarios y que, en muchísimos casos, para nada tienen o tuvieron el reconocimiento que realmente merecían. La lista de nombres en estas circunstancias es, dolorosamente, muy larga. Igualmente, el autor rinde homenaje a tres grandes figuras de nuestro teatro, dos desafortunadamente ya fallecidas y uno que, ¡albricias!, sigue acompañándonos y creando. En el orden que los menciona el autor por boca del actor: Ludwik Margules, Juan José Gurrola y Alejandro Luna.

La Exageración es, entonces, toda una loa al teatro y sus creadores, ya que, como se sabe –y deben saber las nuevas generaciones–, Margules fue el gran director y maestro, ese que, sin aspavientos, auténticamente forjó actores diferentes; Gurrola, el multifacético, arquitecto, actor, director, dramaturgo, su impronta allí está. Luna, el escenógrafo non, el creador y transformador por excelencia. Qué bueno que sigue entre nosotros.

Las nuevas generaciones y las mujeres también están presentes en la joven Mar Aroko, que es la contraparte a Davison; el contraste entre madurez y juventud, entre hombre y mujer, entre la experiencia de mil años y el ímpetu maravilloso que quiere no llegar, sino superar esos mil años y, pretenciosamente como corresponde a todo joven, por supuesto, hacerlo mucho mejor.

Teatro, así, en toda su magnífica expresión es esta Exageración... que con un pretexto fútil –iniciar un ensayo en el que están sólo el viejo actor y la joven asistente del director, porque éste está atrasado–, permite todo el despliegue de facultades actorales de uno y otra en un juego por momentos lastimoso y simpático, en otros; sincero siempre que nos pone ante verdades humanas y artísticas que para nosotros, gente de teatro, son comunes y sabidas, pero que para el público serán una ventana nueva.

Con un trabajo espléndido –uno más– de Mauricio Davison y uno no menor de Mar Aroko, La Exageración, que es por demás plausible, será una experiencia distinta, pienso que aleccionadora para algunos y gratificante para todos. Se está presentando con escenografía e iluminación de Gabriel Pascal, en una corta temporada en el teatro El Milagro de jueves a domingo.

Chicago, ácido atrás de la miel

Arte y tiempo

Raúl Díaz

▲ Escena de Chicago.Foto Medios y Media

Quien se conforme únicamente con la superficie, disfrutará sin duda de Chicago, la estupenda comedia musical escrita por Bob Fosse, quien también creó la coreografía y se encargó de la dirección, apoyándose en la música de John Kander y el libretista Fred Ebb. Sucederá así porque Chicago tiene todos los ingredientes para hacer de ella lo que se espera de una comedia musical –llamadas ahora más sencillamente musical o el musical– o sea, música pegajosa, despreocupada, gran boato, estupenda coreografía, vistosos bailables, enorme colorido y despliegue de luces, lujo, alegría, en fin, todo aquello que hace de su presentación algo espectacular y muy fácil de digerir. El argumento puede ser insustancial o así lo vuelve la forma en que está presentado, porque se trata de entretener y divertir, y de ninguna manera causar preocupación.

Esto es precisamente lo que sucede en Chicago que, si se ve a mayor profundidad, pone al descubierto todo un sistema judicial sumamente permeable y unos medios de comunicación masiva capaces de trastocar toda realidad y convertir a un criminal cualquiera en un héroe. En este caso, a dos asesinas en heroínas. Que sean culpables o no, que el sistema sea corrupto o maleable, que abogados mercenarios sean capaces hacer ver lo que no existe, etcétera, eso no es cuestión de Chicago, el musical. Su tarea es ser el gran espectáculo y, hay que admitirlo, la cumple a cabalidad.

Basada en hechos reales, la historia de Chicago es por demás interesante, ya que arranca de la cobertura periodística que la reportera Maurine Dallas Watkins hizo de los casos de Beulah Annan y Belva Gaertner, a quienes se acusaba de homicidio y resultaron inocentes, pese a las pruebas en su contra.

Según reportó Watkins, en el importante Chicago Tribune, Beulah Annan se puso largo tiempo a escuchar música después de matar a su amante, quedándose en el lugar del crimen y antes de llamar a su marido para que acudiera en su ayuda. El amante de Gaertner fue encontrado muerto por arma de fuego en el coche de ella. Dos policías declararon bajo juramento que habían visto a una mujer dentro del vehículo poco antes de escuchar más de un disparo, pero al llegar ya sólo estaba el cadáver. Gaertner juró que su amante se había suicidado. Las dos mujeres fueron absueltas y convertidas en estrellas del espectáculo por el manejo que hizo la prensa de sus casos. Todo esto sucedió en 1924.

Los reportajes de Watkins tuvieron tal éxito que dos años después ella los convirtió en obra de teatro y fue sensación en Broadway; 50 años después, en 1975, a instancias de su esposa, Bob Fosse la convirtió en comedia musical, y en esta forma ha recorrido el mundo. A México llegó por primera vez en 2001 y volvió a finales del año pasado presentando la versión que se estrenó en Broadway en 1996, la que más éxito ha tenido de las muchas que se han dado en diferentes países.

Pese al oropel que las encubre, la denuncia y crítica están allí. No de balde la autora de la primera versión teatral vivió los hechos como testigo privilegiada y supo plasmar en ella, para decirlo de la manera más suave, lo dúctil del sistema y sus panegiristas.

Ese mismo sistema es el que ha creado esta, por demás disfrutable aunque descafeinada, versión musical del Chicago de las primeras décadas del siglo XX, que actualmente se presenta en el teatro Telcel de Polanco, de jueves a domingo.